Latente - Revista de Historia y Estética del Cine, Fotografía y Cultura Visual

Arquitecturas funerarias líquidas

2026-07-23T14:44:21+01:00

Analizamos la construcción de la imagen fílmica mediante el diseño de producción y la dirección artística de la película The Room Next Door (La habitación de al lado, Pedro Almodóvar, 2024).

Esta película supone el primer largometraje rodado en inglés por Pedro Almodóvar y en él se trata sobre un tema recurrente en su filmografía: la amistad, muy en concreto la sororidad, la vida, la enfermedad y, por supuesto, la muerte.

Existen en este proyecto muchas mutaciones respecto a los de su última etapa, cambios en los procesos de adaptación del guion original, en el idioma de rodaje, en la ubicación geográfica de las localizaciones, en los equipos técnicos y creativos y, sobre todo, en las dinámicas de creación que se reinventan en una nueva permutación estilística. Unas alteraciones que repercuten, además, en el eco de la arquitectura visual de los espacios como metáfora social del fin de una era.

Escenografías de lo femenino en Madres Paralelas

2026-07-23T14:44:21+01:00

El presente trabajo estudia las escenografías de Madres Paralelas (Pedro Almodóvar, 2021) y constata que tienen un valor de signo y significado en la narración. Son metáforas argumentales o “claves para descifrar” y definen el universo vital de cada una de las mujeres que las transitan. Los elementos que las componen, como pinturas, esculturas, fotografías, muebles u otros objetos de atrezo, cambian en base a la idiosincrasia de las protagonistas. Hablan de ellas, caracterizan sus comportamientos, informan de sus sentimientos, expresan sus profesiones, aportan datos temáticos, ilustran sus actuaciones y referencian tiempos y lugares. Incluso, diferencian las clases sociales y sus hábitats.

Desde Barcelona con amor (al cine)

2026-07-23T14:44:21+01:00

La historiografía sobre el cine español durante el franquismo ha adolecido siempre de una cierta mirada centralista, teniéndose a menudo en cuenta únicamente las productoras, los cineastas y las películas realizadas en Madrid. Sin embargo, muchas menos veces se ha prestado atención al rico, heterogéneo y siempre novedoso panorama cinematográfico barcelonés, que mantuvo una extraordinaria actividad a lo largo de las seis primeras décadas del siglo XX. Partiendo de esa premisa, el propósito de este trabajo es trazar un recorrido por la filmografía del cineasta barcelonés Francisco Rovira-Beleta, haciendo especial énfasis en la relación de sus películas con la industria cinematográfica de la Ciudad Condal entre las décadas de los cuarenta y los sesenta, sin la que no puede entenderse. Asimismo, se propone estudiar la representación de la propia ciudad de Barcelona en la obra de Rovira, analizando qué espacios urbanos se resaltaron y con qué objetivos narrativos y dramáticos.

Montaje, arquitectura y ciudad moderna

2026-07-23T14:44:21+01:00

Este artículo analiza Berlín. Sinfonía de una gran ciudad (Walter Ruttmann, 1927) desde la historia de la arquitectura y la ciudad, proponiendo una lectura del film como un dispositivo de construcción espacial más que como una simple representación de la metrópolis moderna. Frente a los enfoques centrados en la estética de la modernidad o la genealogía cinematográfica de las sinfonías urbanas, se plantea cómo el montaje actúa como un operador capaz de articular una experiencia urbana específica, situada entre el espacio real de la Berlín de la República de Weimar y un espacio cinematográfico autónomo. A través del análisis del ritmo, la secuenciación y la organización de las imágenes, el estudio examina cómo la arquitectura y la infraestructura urbana funcionan como condiciones espaciales del movimiento, el trabajo y la vida cotidiana. El artículo defiende que la película construye una “ciudad cinematográfica” ensamblada mediante el montaje, relevante para comprender las relaciones entre cine, arquitectura y cultura urbana en el periodo de entreguerras.

La ciudad de Atenas como escenario simbólico cinematográfico

2026-07-23T14:44:22+01:00

Este trabajo analiza la representación de Atenas en el cine desde una perspectiva interdisciplinar, considerando la arquitectura y el espacio urbano como dispositivos narrativos. A partir de un pequeño corpus que abarca desde los clásicos del neorrealismo y la edad de oro del cine griego hasta obras contemporáneas, examinamos conceptos como heterotopía, lugar/no-lugar y performatividad del espacio, entre otros enfoques. El estudio revela cómo las producciones nacionales desmantelan la imagen turística de la ciudad, centrada en la Acrópolis y Plaka, para mostrar una Atenas más plural, poliédrica y multicultural, con barrios residenciales y marginales, donde conviven diversas etnias, lenguas y culturas, espacios de tránsito y monumentos resignificados. En su conjunto, estas representaciones configuran una contra-cartografía que convierte la ciudad en protagonista activa, capaz de dramatizar tensiones entre memoria y presente, tradición y cambio, identidad y exclusión.

Ciudades sangrientas

2026-07-23T14:44:22+01:00

El presente artículo explora el reflejo en la ciudad de las tensiones sociales y políticas del Japón de posguerra a través del análisis de La puerta de la carne (Suzuki Seijun, 1964) y Tenshi no Kokotsu (Wakamatsu Koji, 1972). En ambas obras la ciudad se presenta como espacio vivo y conflictivo, alejado de la idealización. En él se inscriben las huellas de la guerra, la ocupación estadounidense del país y la propia violencia estructural. Partiendo de la perspectiva de la memoria cultural, este escrito muestra cómo el cine ayuda a transformar las ruinas físicas en símbolo de fractura psicológica, pero también en lugares de resistencia, denuncia y reapropiación, convirtiendo la ciudad en un personaje activo que es atacado, habitado y resignificado por sus protagonistas, más allá de un mero escenario.

Globalización y deslocalización en el cine coreano contemporáneo

2026-07-23T14:44:22+01:00

Este artículo analiza The Chaser (Na Hong-jin, 2008) desde una perspectiva histórico-cultural, centrándose en la representación del paisaje urbano de Seúl como un espacio deliberadamente deslocalizado. A partir de un análisis textual y formal, se examina cómo la película reduce los marcadores geográficos explícitos y construye una ciudad indistinguible de otras metrópolis contemporáneas, reconocible principalmente por elementos culturales. El estudio muestra que dicha estrategia refuerza, por un lado, la lectura del thriller como experiencia urbana transnacional y, por otro, la visualización de la estratificación social mediante desplazamientos entre zonas marginales y barrios residenciales. Finalmente, se interpreta el plano final del hospital como síntesis estética de una Seúl globalizada, anónima y estructuralmente indiferente al daño social.

La ciudad como huella del pasado

2026-07-23T14:44:22+01:00

Este artículo analiza la representación de la ciudad en el cine de la Nueva Ola Rumana como huella material del pasado socialista y como espacio de experiencia cotidiana en la Rumanía postcomunista. A través del estudio de una selección de films significativos, se examina cómo los entornos urbanos —interiores, espacios administrativos, periferias residenciales y arquitectura institucional— funcionan como dispositivos narrativos que revelan procesos de desarraigo, normalización y persistencia del poder en el paisaje cotidiano. Lejos de una lectura monumental del pasado, estos films construyen una memoria urbana basada en la repetición, la espera y la estandarización del espacio. Desde esta perspectiva, no solo muestran la ciudad, sino que la activan como lugar de memoria en movimiento, estableciendo un diálogo crítico con el espectador. El trabajo incorpora finalmente una mirada educativa que subraya el potencial del cine como recurso para interpretar críticamente el espacio urbano y sus implicaciones históricas y democráticas.

En busca del espacio perdido

2026-07-23T14:44:22+01:00

La condición fronteriza de Tijuana se ha vuelto cada vez más en un dispositivo cazafantasmas que exorciza formas de una mexicanidad perdida. Para dar cuenta de esta mutación fantasmagórica en la ciudad, haremos un recorrido por Trilogía sobre el espacio (2018), un proyecto audiovisual del artista Miguel Buenrostro compuesto de tres cortometrajes documentales: “Inmueble”, “Muerte y vida de un portal” y “Heterotopías”. Trilogía sobre el espacio explora diferentes viñetas casi apocalípticas de lo que podríamos llamar una “frontera del habitar”, es decir, de espacialidades llevadas a los extremos límites de su ocupación social posible: fraccionamientos abandonados, migrantes chinos desplazados de un vecindario gentrificado, portales para poder cruzar a ciudades paralelas o inmuebles donde deambulan un guardia y sus fantasmas. Entre paisajes posapocalípticos, un habitar fronterizo se abre paso lúdicamente y reclama sus posibilidades canceladas.

Territorio en disputa, memoria y sonido en la región del Donbás.

2026-07-23T14:44:23+01:00

El artículo examina cómo el montaje sonoro en Entusiasmo: Sinfonía del Donbáss (Dziga Vertov, 1931) produce una espacialidad simbólica en la que el ruido industrial actúa como estructura arquitectónica. La metodología se basa en un análisis fílmico centrado en el sonido, el montaje y su relación con el territorio, apoyado en enfoques teóricos sobre la dialéctica entre presencia y ausencia en la experiencia audiovisual. Los resultados muestran que el filme configura el Donbás como una ciudad sonora del socialismo, donde el trabajo colectivo se traduce en ritmo y el progreso se articula como experiencia auditiva. Se concluye que esta representación dejó una huella duradera en la memoria regional, asociada a estabilidad, trabajo y centralidad económica. Desde 2014, y con mayor intensidad tras la invasión de 2022, esta memoria del pasado industrial ha sido movilizada por actores separatistas y la propaganda rusa para reforzar relatos de pertenencia, continuidad histórica y legitimidad territorial en el contexto del conflicto.

Materialidad y representaciones en animación stop motion

2026-07-23T14:44:23+01:00

Un rasgo estilístico de los cortometrajes stop motion Padre (Santiago Bou Grasso, 2014) y Bestia (Hugo Covarrubias, 2021) es el valor asignado a la materialidad que se presenta en cuadro a partir del diseño y construcción de escenarios, figuras y objetos volumétricos. Tales operaciones se ubican como construcciones de una posmemoria colectiva que busca asignar un rostro, cuerpo, gestos y movimientos a representaciones veladas de los victimarios. En sus narrativas, la mirada se ubica en la (re)construcción crítica sobre dos mujeres partícipes del engranaje represivo estatal en las últimas dictaduras militares de Argentina y Chile, respectivamente.

La construcción de los espacios, incluso la figura recurrente de la casa como refugio de una intimidad, advierten sobre marcas de la materialidad propias del stop motion que permiten narrar, metaforizar y sentar una posición crítica sobre figuras controversiales, poco abordadas en la ficción animada contemporánea y latinoamericana, de la Historia Reciente.

Entre el instante decisivo y la perversión: «Nightcrawler»

2026-07-23T14:44:23+01:00

Este ensayo analiza la filosofía de tres narrativas fotográficas del siglo XX presentes en la película Nightcrawler (Dan Gilroy, 2014): el instante decisivo, la fotografía tardía y la fotografía dirigida. El objetivo es examinar cómo el lenguaje visual del filme dialoga con estas corrientes teóricas, explorando la evolución de la ética periodística y la manipulación de la realidad para el consumo mediático masivo.

El eje del estudio es Lou Bloom, un buscavidas que descubre en el periodismo criminalista una salida a su precaria situación. Equipado con una cámara y un escáner policial, Bloom recorre Los Ángeles para filmar accidentes y crímenes antes que nadie. En su ambición, Bloom deja de ser un simple testigo para convertirse en un depredador de la imagen que altera la escena para garantizar el momento determinante.

«Las Melancólicas», de Rafael Moreno Alba

2026-07-23T14:44:23+01:00

Este artículo propone la primera relectura crítica del filme Las melancólicas (1972) de Rafael Moreno Alba, interpretándolo como una alegoría del sistema manicomial y de las prácticas psiquiátricas vigentes bajo el franquismo. Desde una perspectiva metodológica interdisciplinaria, el estudio combina análisis fílmico, historiografía de la psiquiatría española del periodo e investigación archivística basada en expedientes de censura, guiones conservados y la comparación entre la versión española y la versión internacional. Frente a la ausencia de estudios críticos previos y a su relegación al cine de terror o de explotación, se demuestra que la ambientación en un manicomio femenino decimonónico constituye un desplazamiento histórico deliberado para eludir la censura y plantear una crítica alegórica de la institucionalización psiquiátrica y de los mecanismos de control moral y social del régimen. Mediante el análisis del espacio manicomial y de las prácticas terapéuticas representadas, el artículo examina la tensión institucional durante el franquismo.

Del bullicio al vacío

2026-07-23T14:44:24+01:00

Desde los años setenta hasta la actualidad, Santa Cruz de Tenerife y San Cristóbal de La Laguna han pasado de ser ciudades marcadas por una intensa vida cinematográfica a territorios donde apenas subsisten unas pocas salas. A través de una lectura que entrelaza geografía, historia y cultura visual, el texto reconstruye las etapas del declive y analiza tanto las lógicas de obsolescencia como las prácticas de resistencia, desde los usos patrimoniales hasta los festivales. El caso tinerfeño se configura así como una clave interpretativa para pensar el vacío simbólico que deja el cine en la ciudad contemporánea.

Dialécticas del cuerpo, de la mirada y de la interpretación

2026-07-23T14:44:24+01:00

La belle noiseuse es una obra tardía de Jacques Rivette, figura central de la Nueva Ola. A partir de “Le chef-d’œuvre inconnu”, de Balzac, esta adaptación convierte este cuento en un largometraje de cuatro horas, en el que se exploran las tensiones entre pintores, marchantes, modelos y amantes. El artículo lo revisita a través del cuestionamiento de su interpretación hegemónica, según la cual es una obra sobre la creación pictórica. Como lectura alternativa se propone una revisión de la misoginia y la dinámica del poder propuesta por el guion y la puesta en escena, reconocida mediante el examen de las dialécticas del cuerpo y de la mirada. Esta estrategia es producto de una “reinterpretación preliminar”, que también es cuestionada. La nueva mirada lleva a reconocer una tercera dialéctica, la de la interpretación, que permite una reflexión sobre los sucesivos procesos hermenéuticos en los que participa la pieza artística.

Las musas de Chanel

2026-07-23T14:44:24+01:00

La obra de esta diseñadora no puede entenderse, como frecuentemente suele ocurrir, sin entender las circunstancias que rodearon y marcaron su vida. En el caso de Gabriele Chanel fueron los hombres los que más peso tuvieron en su proceso creativo. Padre, amantes, amigos; fueron para ella verdaderas musas y fuentes que nunca agotaron sus ansias de crear y de innovar. Estas musas la introdujeron en mundos y culturas nuevas, que ella supo respirar hasta el último suspiro y beber hasta la útima gota.

Escuela de cineastas

2026-07-23T14:44:24+01:00

Los nacimientos del cine uruguayo. Una historia completa.

2026-07-23T14:44:24+01:00

Retazos de cine

2026-07-23T14:44:24+01:00